Da Francesco Garofalo Pittrice, pianista, interprete della bellezza e custode della grande tradizione figurativa italiana. Carmen Madaro rappresenta quella rara categoria di artisti per i quali l’arte non è semplicemente una professione, ma una condizione dell’anima. Una vita straordinaria, attraversata dalla pittura, dalla musica e da quella sensibilità profondamente napoletana che trasforma ogni emozione in un linguaggio universale.
L’arte non si sceglie. L’arte ti sceglie.
Esistono pittori che dipingono per vivere. Altri che vivono per dipingere. E poi esistono personalità rarissime, nelle quali la distinzione tra l’esistenza e la creazione artistica finisce per dissolversi completamente.
Carmen Madaro appartiene a quest’ultima categoria.
Non è soltanto una pittrice. Sarebbe riduttivo definirla così. Non è semplicemente una donna che ha attraversato oltre settant’anni di storia artistica italiana, conservando una straordinaria fedeltà alla propria vocazione.
Carmen Madaro è qualcosa di più complesso, di più profondo, di più autentico.
È una donna che ha fatto della propria vita un’opera d’arte, e dell’arte la ragione stessa della propria esistenza.
Ci sono artisti che cercano disperatamente uno stile, inseguendo le mode, adattandosi alle richieste del mercato, tentando di apparire contemporanei anche quando non hanno nulla da raccontare.
E poi ci sono artisti come Carmen Madaro, che non hanno mai avuto bisogno di inseguire il tempo, perché hanno saputo attraversarlo.
Questa è la differenza tra chi produce immagini e chi costruisce bellezza.
La sua pittura non nasce dal desiderio di stupire a ogni costo. Nasce da una necessità interiore, da un rapporto quasi sentimentale con la realtà, da una forma di rispetto nei confronti del mondo visibile che oggi, in un panorama artistico frequentemente dominato dall’effimero, assume un valore ancora più significativo.
Perché la bellezza, quando è autentica, non ha bisogno di essere giustificata.
Deve soltanto essere riconosciuta.
E Carmen Madaro ha trascorso la propria esistenza a riconoscerla, custodirla e restituirla attraverso il colore.
Napoli, la madre di tutte le sue emozioni
Per comprendere Carmen Madaro bisogna partire da Napoli.
Non semplicemente dalla città nella quale è nata, il primo gennaio del 1939, ma da quella Napoli che rappresenta una delle più straordinarie matrici culturali, artistiche e sentimentali della storia europea.
Napoli non è soltanto un luogo geografico.
È una condizione dello spirito.
È il teatro permanente nel quale convivono tragedia e commedia, malinconia e ironia, spiritualità e sensualità, musica e pittura.
È la città nella quale la bellezza non viene soltanto contemplata, ma vissuta quotidianamente.
Ed è proprio questo spirito napoletano che ritroviamo nell’universo artistico di Carmen Madaro.
Una napoletanità che non ha nulla di folkloristico o superficiale, ma che si manifesta nella capacità di sentire profondamente, di emozionarsi davanti a un paesaggio, di riconoscere la poesia nascosta in un volto, in un fiore, nella luce che attraversa una stanza.
Napoli le ha consegnato qualcosa che nessuna accademia avrebbe potuto insegnarle: la capacità di guardare il mondo con gli occhi dell’emozione.
E questa capacità, negli anni, è diventata pittura.
Nelle sue opere sembra sopravvivere quella particolare intensità luminosa che appartiene alla tradizione mediterranea, quella relazione tra colore e sentimento che ha attraversato la grande scuola napoletana dell’Ottocento.
È inevitabile, osservando il suo percorso, pensare a quella straordinaria stagione artistica che vide protagonisti Domenico Morelli, Filippo Palizzi, Giuseppe De Nittis e gli altri interpreti di una pittura capace di coniugare osservazione della realtà e partecipazione emotiva.
Naturalmente, non si tratta di stabilire equivalenze improprie tra personalità appartenenti a epoche differenti.
Si tratta piuttosto di riconoscere una continuità culturale.
Quella stessa idea secondo cui la pittura deve nascere dall’incontro tra l’occhio, la mano e l’anima.
Carmen Madaro è figlia di questa tradizione.
E, soprattutto, non l’ha mai rinnegata.
Una bambina, una matita e il destino di un’artista
La storia artistica di Carmen Madaro comincia molto presto.
A dodici anni entra nello studio del pittore Paolo Biondi, maestro che avrebbe avuto un ruolo fondamentale nella sua formazione e che frequenterà per otto anni.
È un passaggio decisivo.
Perché imparare a dipingere non significa semplicemente apprendere una tecnica.
Significa educare lo sguardo.
Significa comprendere che una linea può raccontare un’emozione, che un’ombra può suggerire una presenza, che un colore può evocare un ricordo.
Nel 1951 affronta lo studio del chiaroscuro attraverso la matita e il carboncino. Nel 1952 arriva l’incontro con la pittura a olio.
Un incontro destinato a trasformarsi in un rapporto indissolubile.
Nel 1957 consegue il diploma presso il Liceo Artistico di Napoli, dove ha tra i propri insegnanti Antonino Tammaro e Armando De Stefano.
È una formazione solida, autentica, costruita sulla disciplina del disegno e sulla conoscenza dei fondamenti pittorici.
E questo aspetto merita di essere sottolineato.
Perché oggi, troppo frequentemente, si pretende di essere artisti senza conoscere il mestiere dell’arte.
Si confonde la provocazione con il talento, l’improvvisazione con la ricerca, la casualità con l’espressione.
Carmen Madaro appartiene invece a una generazione che ha imparato a rispettare la pittura.
Una generazione per la quale il disegno rappresentava una conquista, non un ostacolo da aggirare.
Già nel 1955 partecipa, con un ritratto del poeta Luigi Denza, alla mostra storica della canzone napoletana presso il Palazzo delle Esposizioni di Roma.
È un episodio che assume un significato particolare, perché rivela fin dall’inizio quella relazione tra pittura, cultura e musica che accompagnerà tutta la sua vita.
La pittura come dichiarazione d’amore alla realtà
Osservando il repertorio delle opere di Carmen Madaro, emerge immediatamente una caratteristica fondamentale: la straordinaria varietà dei soggetti.
Ritratti, paesaggi, nature morte, fiori, giardini, animali, vedute marine, architetture e scorci urbani.
Un universo figurativo ampio, nel quale la realtà viene continuamente interrogata attraverso il colore.
Ma sarebbe un errore considerare questa varietà come una semplice dimostrazione di abilità tecnica.
Il vero elemento unificante è lo sguardo dell’artista.
Carmen Madaro non dipinge soltanto ciò che vede.
Dipinge ciò che riconosce come degno di essere ricordato.
Ecco allora che un fiore diventa una dichiarazione di delicatezza, un paesaggio si trasforma in memoria, un volto assume il valore di una testimonianza umana.
La sua pittura appartiene alla tradizione figurativa e realista, ma non si esaurisce nella riproduzione del visibile.
La realtà rappresenta il punto di partenza.
L’emozione è il punto di arrivo.
Nei suoi dipinti dedicati al mare, come Mareggiata con veliero, Amerigo Vespucci, Veliero in rosa e Golfo di Napoli, il tema marino assume un’importanza particolare.
Il mare è movimento, profondità, instabilità.
È una superficie che cambia continuamente, proprio come l’esistenza umana.
E per un’artista nata a Napoli il mare non può essere soltanto un soggetto pittorico.
È memoria originaria.
È appartenenza.
È un elemento che accompagna l’identità anche quando la vita conduce altrove.
La presenza ricorrente dei velieri suggerisce inoltre una lettura simbolica: il viaggio come condizione dell’uomo, la navigazione come metafora del destino, l’orizzonte come promessa di qualcosa che ancora non conosciamo.
Una lettura che restituisce alla pittura figurativa una dimensione poetica, senza costringerla entro interpretazioni artificiose.
Anche la produzione floreale merita attenzione.
Opere come Rose rosse e occhiali, Fiori bianchi, Campanule sull’ulivo e “C” di Carmen in fiore testimoniano un interesse costante per la natura.
Il fiore, nella storia dell’arte, ha rappresentato la bellezza e la sua inevitabile fragilità.
Dalle nature morte fiamminghe alla tradizione italiana, il linguaggio floreale ha sempre custodito una riflessione sul tempo.
Nella ricerca di Carmen Madaro, il fiore può essere letto come una forma di resistenza alla fugacità.
La pittura trattiene ciò che la natura è destinata a trasformare.
È questo, in fondo, uno dei grandi privilegi dell’arte: concedere durata a ciò che nella vita è momentaneo.
I cancelli di Piacenza: quando una porta diventa speranza
Esiste un capitolo particolarmente interessante nella produzione di Carmen Madaro.
Quello dedicato ai cancelli piacentini.
Trasferitasi a Piacenza nel 1981, l’artista rimane affascinata dalle architetture cittadine e soprattutto dai cancelli in ferro battuto, dietro i quali si intravedono cortili e giardini.
Un soggetto apparentemente semplice.
Eppure profondamente significativo.
Perché un cancello rappresenta contemporaneamente una separazione e una possibilità.
Divide due spazi, ma permette allo sguardo di attraversarli.
Nasconde e rivela.
Protegge e invita.
Nella sensibilità di Carmen Madaro, queste architetture diventano qualcosa di più di un esercizio prospettico.
Diventano una metafora dell’esistenza.
Dietro ogni cancello potrebbe esserci un giardino.
Dietro ogni difficoltà potrebbe nascondersi una nuova possibilità.
È una visione profondamente umana, che l’artista stessa collega alla speranza e alla capacità di affrontare le contrarietà quotidiane.
Qui emerge uno degli aspetti più interessanti della sua personalità.
Carmen Madaro non ha mai smesso di cercare la bellezza, neppure quando la vita le ha presentato le proprie difficoltà.
E questa ricerca non è ingenuità.
È coraggio.
Perché continuare a credere nella bellezza, dopo aver attraversato decenni di esperienze, significa possedere una forza interiore che va ben oltre la tecnica pittorica.
Il ritratto: l’arte di vedere oltre il volto
Un altro elemento fondamentale della sua produzione è rappresentato dal ritratto.
Il ritratto costituisce una delle prove più complesse per un pittore.
Non basta riprodurre correttamente i lineamenti.
Non basta raggiungere una somiglianza fotografica.
Occorre comprendere la persona.
Occorre intuire ciò che uno sguardo trattiene, ciò che un’espressione rivela, ciò che il tempo ha lasciato sul volto.
È la differenza tra rappresentare una fisionomia e raccontare un’identità.
Carmen Madaro dimostra di conoscere questa distinzione.
La sua lunga attività ritrattistica, che comprende familiari, amici e personalità del mondo artistico, nasce anche dal desiderio di conservare la presenza umana attraverso la pittura.
Tra le figure da lei ritratte compaiono gli artisti piacentini Xerra, Missieri e Sapiente.
Ma è soprattutto il valore sentimentale del ritratto a rendere interessante la sua ricerca.
Il volto diventa memoria.
La somiglianza diventa relazione.
L’immagine dipinta assume una profondità che la semplice registrazione fotografica non sempre riesce a raggiungere.
In questo senso, la sua pittura si inserisce in una tradizione che considera il ritratto una forma di conoscenza dell’essere umano.
Non soltanto una rappresentazione esteriore, ma un incontro tra due sensibilità: quella di chi posa e quella di chi dipinge.
Carmen Madaro pianista: quando i colori imparano a suonare
C’è poi un aspetto della personalità di Carmen Madaro che considero essenziale per comprenderne la grandezza umana e artistica.
Carmen Madaro è anche pianista.
E questa dimensione musicale arricchisce ulteriormente il suo profilo, rendendola un’artista a trecentosessanta gradi.
Pittura e musica sono due linguaggi apparentemente differenti, ma profondamente legati.
La pittura organizza lo spazio.
La musica organizza il tempo.
La prima costruisce armonie attraverso forme e colori.
La seconda attraverso suoni, pause e ritmi.
Eppure entrambe cercano la stessa cosa: raggiungere l’anima.
Un pianista conosce il valore del silenzio.
Sa che una pausa può essere importante quanto una nota.
Sa che l’intensità di un’esecuzione non dipende soltanto dalla precisione tecnica, ma dalla capacità di interpretare emotivamente una composizione.
Ebbene, qualcosa di simile accade nella pittura di Carmen Madaro.
Il suo rapporto con la composizione, con l’equilibrio delle forme e con la sensibilità cromatica invita a riconoscere una particolare affinità tra esperienza musicale ed espressione pittorica.
Si potrebbe dire che i suoi colori possiedano una musicalità.
Che i paesaggi suggeriscano melodie.
Che i fiori diventino accordi delicati.
Che il mare, con il suo movimento, evochi le variazioni di una composizione pianistica.
Non è soltanto una suggestione poetica.
È il riconoscimento di una sensibilità capace di esprimersi attraverso linguaggi differenti.
La relazione tra musica e pittura ha attraversato l’intera storia dell’arte moderna.
Basti pensare a Vasilij Kandinskij, che individuava nel colore una forza spirituale paragonabile a quella del suono.
Naturalmente, Carmen Madaro percorre una strada differente, saldamente legata alla figurazione.
Ma il principio dell’armonia rimane un punto di contatto.
La bellezza non appartiene esclusivamente a una disciplina.
È una condizione dello spirito che può manifestarsi attraverso molteplici forme.
E in Carmen Madaro questa pluralità espressiva assume un significato ancora più affascinante proprio per le sue origini napoletane.
Perché Napoli è forse una delle città nelle quali pittura e musica hanno convissuto con maggiore naturalezza.
Dalla tradizione operistica alla canzone classica napoletana, dalle grandi scuole musicali alla cultura popolare, la città ha sempre considerato il suono una forma privilegiata di espressione emotiva.
In Carmen Madaro ritroviamo idealmente questa eredità.
Una donna capace di affidare alla tastiera del pianoforte ciò che, in altri momenti, consegna alla tela.
Due strumenti.
Un’unica anima.
E forse è proprio questa la sua qualità più preziosa: non aver mai diviso l’arte dalla vita, né la pittura dalla musica, perché entrambe appartengono alla medesima necessità di esprimere bellezza.
La dimensione musicale emerge anche nella sua attività culturale. Dal 1991 molte delle sue esposizioni vengono accompagnate da concerti di musica classica e romantica da lei organizzati.
Non una semplice aggiunta agli eventi pittorici, ma la testimonianza concreta di una visione nella quale le arti dialogano e si completano reciprocamente.
Una donna che ha attraversato il tempo senza rinunciare a se stessa
Carmen Madaro ha conosciuto epoche profondamente differenti.
È nata nel 1939.
Ha vissuto l’infanzia durante gli anni difficili della guerra, ha attraversato la ricostruzione italiana, il boom economico, le trasformazioni culturali del secondo Novecento e l’avvento della contemporaneità digitale.
Ha visto cambiare il mondo.
Ha visto cambiare l’arte.
Ha visto mutare il gusto, il mercato, il rapporto tra artista e pubblico.
Eppure ha conservato una straordinaria fedeltà alla propria identità.
Questo non significa essere rimasti immobili.
Significa aver saputo evolvere senza smarrirsi.
Nella sua stessa testimonianza autobiografica, l’artista riconosce come la cromaticità delle opere sia cambiata nel corso degli anni, risentendo anche delle difficoltà e delle esperienze della vita.
È una considerazione di grande interesse critico.
Perché conferma che il colore, nella sua ricerca, non è mai stato soltanto una scelta formale.
È diventato uno strumento attraverso il quale registrare il proprio percorso umano.
Carmen Madaro ha inoltre affrontato una delle sfide che per molte donne della sua generazione hanno rappresentato un equilibrio complesso: conciliare la famiglia, la crescita dei figli e la vocazione artistica.
Non ha rinunciato all’una per inseguire l’altra.
Ha cercato di tenere insieme entrambe.
E questo merita rispetto.
Perché l’arte non si misura soltanto attraverso il numero delle esposizioni o dei riconoscimenti.
Si misura anche attraverso la capacità di difendere la propria identità creativa nelle circostanze della vita quotidiana.
La sua biografia racconta una donna che ha continuato a dipingere, organizzare eventi, promuovere cultura e coltivare la propria sensibilità.
Una donna che non ha permesso al tempo di spegnere il desiderio di creare.
Settant’anni di pittura e una vocazione senza compromessi
La carriera di Carmen Madaro è costellata di esposizioni, iniziative culturali e riconoscimenti.
Nel 1997 apre a Piacenza un atelier con sala espositiva permanente.
Nel 2005 fonda l’associazione di promozione sociale I Colori del Mediterraneo, attraverso la quale promuove la pittura figurativa mediterranea e organizza esposizioni, incontri culturali, concerti, spettacoli e attività formative.
Un’iniziativa che dimostra quanto la sua concezione dell’arte non sia mai stata esclusivamente individuale.
Per Carmen Madaro la cultura deve essere condivisa.
Deve creare relazioni.
Deve diventare occasione di incontro.
Nel 2009 presenta una retrospettiva antologica dedicata alla produzione dal 1952 al 2009.
Nel 2011 celebra sessant’anni di attività pittorica con una mostra di sessanta opere.
Nel 2015 riceve a Venezia il riconoscimento honoris causa di Maestro di Pittura, conferito dal Comitato di Valutazione Maestri d’Arte Visiva.
Nel 2016 festeggia sessantacinque anni di pittura con un’ulteriore esposizione personale.
Nel 2018 presenta a Parma la mostra dal titolo 80 voglia di armonia.
Un titolo che, a mio giudizio, rappresenta perfettamente la sua filosofia artistica.
Armonia.
È questa la parola che sembra attraversare tutta la sua esistenza.
Armonia tra pittura e musica.
Tra Napoli e Piacenza.
Tra memoria e presente.
Tra esperienza personale e rappresentazione artistica.
La grande lezione della pittura figurativa
C’è un aspetto sul quale desidero soffermarmi.
La fedeltà di Carmen Madaro alla pittura figurativa.
Viviamo in un’epoca nella quale una parte del sistema artistico sembra aver dimenticato il valore della rappresentazione.
Si celebra frequentemente l’idea a discapito dell’esecuzione, il concetto a discapito della forma, la provocazione a discapito della bellezza.
Naturalmente, l’arte contemporanea ha prodotto esperienze straordinarie e linguaggi capaci di modificare radicalmente la nostra percezione del mondo.
Ma sarebbe un errore altrettanto grave considerare superata la pittura figurativa.
Perché rappresentare la realtà non significa necessariamente copiarla.
Significa interpretarla.
Significa scegliere.
Significa attribuire importanza a ciò che il nostro sguardo incontra.
E Carmen Madaro dimostra come questa scelta possa diventare una ricerca lunga un’intera vita.
La sua pittura non pretende di rivoluzionare il linguaggio artistico attraverso gesti clamorosi.
Rivendica piuttosto il diritto della bellezza a continuare a esistere.
Un diritto che oggi appare quasi una forma di ribellione.
Perché in un mondo dominato dalla velocità, fermarsi a dipingere un fiore significa sottrarsi alla superficialità.
Dedicare tempo a un ritratto significa riconoscere il valore irripetibile di un essere umano.
Rappresentare un paesaggio significa opporsi all’indifferenza.
La pittura figurativa, quando è sostenuta da autentica sensibilità, non è un linguaggio del passato.
È un modo di abitare il presente.
E Carmen Madaro lo testimonia attraverso un percorso di rara coerenza.
L’eterna ragazza di Napoli che continua a cercare la bellezza
Ciò che maggiormente colpisce nella figura di Carmen Madaro non è soltanto la durata della sua attività.
È la continuità del suo entusiasmo.
Esiste una vecchiaia anagrafica ed esiste una giovinezza dello spirito.
Le due cose non sono necessariamente incompatibili.
Anzi.
Talvolta l’esperienza rende lo sguardo ancora più libero, perché permette di distinguere ciò che conta davvero da ciò che è soltanto rumore.
Carmen Madaro sembra appartenere a quella categoria di persone che hanno conservato, attraverso il tempo, la capacità di meravigliarsi.
La bambina napoletana che imparava a disegnare nello studio del proprio maestro non è scomparsa.
Continua idealmente a vivere nella donna che dipinge.
Nella pianista che ricerca l’armonia.
Nell’artista che osserva un giardino, un volto o una mareggiata e avverte ancora il desiderio di trasformarli in un’immagine.
È questo il vero miracolo dell’arte.
Non rendere immortali gli artisti attraverso una firma.
Ma permettere loro di conservare viva quella parte dell’anima che il tempo, troppo spesso, tende a consumare.
Carmen Madaro porta con sé Napoli anche quando dipinge Piacenza.
Porta con sé il Mediterraneo anche quando rappresenta un paesaggio lontano dal mare.
Porta con sé la musica anche quando impugna un pennello.
Perché le radici autentiche non sono catene che ci trattengono.
Sono la forza che ci permette di andare lontano.
Carmen Madaro: il capolavoro più importante è la sua stessa vita
Quando mi trovo a riflettere sul percorso di un artista, cerco sempre di comprendere quale sia il significato più profondo della sua ricerca.
Non mi interessano soltanto i riconoscimenti.
Non mi basta conoscere il numero delle mostre.
Non considero sufficiente un curriculum, per quanto prestigioso.
Cerco l’essere umano.
Cerco ciò che rende quella particolare esperienza artistica diversa da tutte le altre.
Nel caso di Carmen Madaro, la risposta appare sorprendentemente chiara.
Il suo capolavoro più importante non è un singolo dipinto. È la sua stessa vita.
Una vita nella quale la pittura non è stata un’attività accessoria, ma una presenza costante.
Una vita nella quale la musica ha rappresentato un’ulteriore possibilità di comunicare emozioni.
Una vita nella quale la cultura è diventata condivisione, incontro, relazione.
Una vita che ha attraversato difficoltà, trasformazioni e cambiamenti senza perdere la capacità di riconoscere la bellezza.
E qui ritorna inevitabilmente Napoli.
Quella Napoli che sa sorridere anche quando porta dentro di sé la malinconia.
Quella Napoli che trasforma il dolore in canto.
Quella Napoli che conosce il valore della memoria e l’importanza dei sentimenti.
Carmen Madaro appartiene profondamente a questa cultura.
È napoletana non soltanto per nascita.
Lo è per sensibilità.
Per temperamento artistico.
Per quella capacità di unire intensità emotiva, vitalità e amore per l’espressione.
La sua è una napoletanità che non conosce confini geografici.
Una napoletanità che diventa universale attraverso la pittura e la musica.
E forse è proprio questo il motivo per cui considero la sua figura particolarmente significativa.
Perché ci ricorda che l’arte non deve necessariamente scandalizzare per essere importante.
Non deve necessariamente rompere con il passato per essere autentica.
Non deve necessariamente gridare per essere ascoltata.
Talvolta basta un colore.
Una nota di pianoforte.
Un volto dipinto.
Un cancello che lascia intravedere un giardino.
Talvolta basta una donna che, per tutta la vita, ha continuato a credere nella bellezza.
Carmen Madaro ha fatto esattamente questo.
Ha trasformato i propri giorni in una successione di immagini, suoni, incontri ed emozioni.
Ha costruito un’esistenza nella quale la dimensione artistica e quella umana sono diventate inseparabili.
E mentre molti cercano nell’arte una forma di riconoscimento, lei sembra aver trovato qualcosa di infinitamente più prezioso.
Una ragione per continuare a emozionarsi.
Perché un pittore può lasciare centinaia di quadri. Un musicista può lasciare infinite melodie. Ma soltanto chi ha vissuto autenticamente per l’arte può lasciare, oltre alle proprie opere, l’esempio di un’intera esistenza trasformata in bellezza.
Ed è questa, a mio giudizio, la più grande eredità artistica e umana di Carmen Madaro.
Non soltanto ciò che ha dipinto.
Non soltanto ciò che ha suonato.
Ma ciò che è riuscita a essere.
Una donna.
Una napoletana.
Una pittrice.
Una pianista.
Un’artista nell’accezione più completa e nobile del termine.
Perché Carmen Madaro non ha semplicemente dedicato la vita all’arte. Ha avuto il coraggio, la sensibilità e la straordinaria capacità di fare della propria vita un’opera d’arte.
E un’opera d’arte autentica, quando nasce dall’anima, non appartiene mai soltanto al proprio tempo.
Appartiene alla memoria.
Alla bellezza.
All’eternità.
Redazione