Da Francesco Garofalo Oltre 160 capolavori raccontano due secoli di dialogo artistico tra Italia e Germania. La Basilica Palladiana ospita una grande esposizione internazionale inaugurata alla presenza del Presidente Sergio Mattarella.
Venerdì 13 novembre 2026
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L’arte racconta un’Europa senza confini
La storia dell’Europa non è stata scritta soltanto attraverso trattati politici, accordi economici e trasformazioni territoriali. Una parte fondamentale della sua identità è nata negli atelier, nelle accademie, nei musei e attraverso il confronto tra artisti appartenenti a culture differenti.
È da questa prospettiva che prende forma “Italia Germania. Pittura e scultura tra Ottocento e Novecento. Da Canova a Kiefer”, la grande mostra ospitata alla Basilica Palladiana di Vicenza dal 14 novembre 2026 al 2 maggio 2027.
L’esposizione, presentata ufficialmente il 12 novembre, viene inaugurata oggi con una cerimonia istituzionale al Teatro Olimpico, alla presenza del Presidente della Repubblica Sergio Mattarella.
Con oltre 160 opere provenienti da prestigiose collezioni italiane e internazionali, la rassegna propone una lettura delle relazioni artistiche tra Italia e Germania, attraversando oltre due secoli di sperimentazioni, influenze reciproche e trasformazioni culturali.
Non si tratta semplicemente di accostare capolavori appartenenti a scuole nazionali differenti, ma di ricostruire il rapporto tra linguaggi artistici che, incontrandosi, hanno contribuito alla formazione della sensibilità europea moderna.
Da Canova al Romanticismo tedesco
Il percorso prende avvio dalle relazioni culturali sviluppatesi tra Italia e Germania nell’Ottocento, quando il viaggio nella penisola italiana rappresentava per numerosi intellettuali e artisti tedeschi un’esperienza fondamentale di formazione.
In questo contesto emerge la figura di Antonio Canova, protagonista del Neoclassicismo europeo, la cui ricerca sulla forma, sull’equilibrio e sull’ideale di bellezza influenzò profondamente la cultura figurativa continentale.
L’Italia era percepita come luogo privilegiato per lo studio dell’antichità e del Rinascimento, mentre la sensibilità romantica tedesca introduceva nuove interpretazioni della natura, del mito e dell’esperienza individuale.
L’incontro tra queste tradizioni contribuì a trasformare il rapporto tra rappresentazione artistica e immaginazione.
Il confronto non si sviluppò in una sola direzione: artisti italiani e tedeschi elaborarono soluzioni originali proprio attraverso la conoscenza reciproca delle rispettive esperienze.
De Chirico e Böcklin, il mistero della pittura
Uno dei passaggi più significativi dell’esposizione riguarda il dialogo tra Giorgio de Chirico e Arnold Böcklin.
L’influenza del pittore svizzero, profondamente legato alla cultura artistica tedesca, sulla formazione di de Chirico costituisce un capitolo fondamentale della storia dell’arte moderna.
Le atmosfere enigmatiche di Böcklin, il rapporto tra paesaggio e simbolo e la presenza di elementi mitologici contribuirono alla definizione di una sensibilità destinata a svilupparsi nella pittura metafisica.
De Chirico trasformò queste suggestioni in una visione autonoma, caratterizzata da architetture silenziose, prospettive inattese e oggetti sottratti al loro significato abituale.
Il confronto mostra come un linguaggio artistico possa nascere dall’assimilazione di esperienze precedenti, senza ridursi a una semplice imitazione.
Futurismo ed Espressionismo, due rivoluzioni
Con l’inizio del Novecento, l’Europa attraversa una stagione di trasformazioni radicali.
L’industrializzazione, la crescita delle città e la diffusione delle nuove tecnologie modificano profondamente la percezione della realtà.
In Italia il Futurismo, attraverso protagonisti come Umberto Boccioni, Carlo Carrà e Gino Severini, celebra il dinamismo, la velocità e la scomposizione del movimento.
In Germania, l’Espressionismo sviluppa invece una ricerca maggiormente concentrata sulla tensione emotiva e sulla rappresentazione della condizione umana.
Pur partendo da presupposti differenti, le due esperienze condividono il rifiuto di una rappresentazione puramente naturalistica.
Entrambe intendono superare i modelli tradizionali e individuare nuove possibilità espressive.
La mostra permette di osservare queste trasformazioni non come fenomeni isolati, ma come manifestazioni differenti di una medesima esigenza di rinnovamento.
Gli anni tra le guerre e il ritorno alla realtà
Dopo la Prima guerra mondiale, la pittura europea attraversa una fase di profondo ripensamento.
In Germania emerge la Nuova Oggettività, rappresentata da artisti come Otto Dix e Christian Schad, che osservano la società contemporanea con uno sguardo spesso critico e disincantato.
In Italia si sviluppano esperienze riconducibili al Realismo magico, con protagonisti come Felice Casorati e Antonio Donghi.
Le opere presentano atmosfere sospese, figure apparentemente immobili e situazioni quotidiane trasformate in immagini enigmatiche.
Il confronto evidenzia due risposte differenti alle inquietudini del periodo: da una parte la rappresentazione delle contraddizioni sociali, dall’altra una realtà filtrata attraverso una dimensione di silenzio e straniamento.
Sono testimonianze artistiche di un continente che tenta di ricostruire i propri riferimenti culturali dopo la tragedia della guerra.
Kandinskij, Fontana e le nuove frontiere dell’astrazione
Un altro momento fondamentale riguarda il dialogo tra le avanguardie astratte tedesche e la ricerca artistica italiana.
La mostra richiama l’esperienza del Bauhaus e le conseguenze della sua chiusura nel 1933 per decisione del regime nazista.
In questo clima, Milano assume un ruolo importante nella circolazione delle idee artistiche europee.
La Galleria Il Milione diventa uno dei luoghi di riferimento per il confronto tra l’astrazione internazionale e le ricerche italiane.
Le opere di Vasilij Kandinskij, Josef Albers e Willi Baumeister entrano idealmente in relazione con quelle di Mario Radice, Mauro Reggiani, Fausto Melotti e Lucio Fontana.
Il linguaggio artistico si allontana progressivamente dalla rappresentazione riconoscibile della realtà per concentrarsi sulla forma, sul colore, sullo spazio e sulle possibilità espressive della materia.
È una trasformazione destinata a modificare profondamente la concezione stessa dell’opera d’arte.
Burri, Beuys e l’arte come testimonianza
La seconda metà del Novecento occupa una posizione centrale nel percorso espositivo.
Dopo la Seconda guerra mondiale, gli artisti si confrontano con la distruzione, la memoria e la necessità di ridefinire il rapporto tra arte e società.
Alberto Burri utilizza materiali inconsueti e superfici trasformate, attribuendo alla materia una forza espressiva autonoma.
Joseph Beuys amplia invece il concetto di pratica artistica, collegandolo all’esperienza individuale, alla dimensione sociale e ai processi di trasformazione collettiva.
Le due ricerche, pur profondamente differenti, testimoniano il superamento dei confini tradizionali della pittura e della scultura.
L’opera non è più soltanto un oggetto da osservare, ma diventa anche luogo di riflessione sulla storia e sulla condizione umana.
Kiefer, Richter e la memoria europea
Il percorso arriva alle esperienze contemporanee di artisti come Gerhard Richter, Georg Baselitz e Anselm Kiefer.
In particolare, Kiefer rappresenta uno dei protagonisti della riflessione artistica sulla memoria storica europea.
Le sue opere affrontano questioni legate all’identità, alla distruzione e alla persistenza del passato, utilizzando superfici stratificate e materiali capaci di evocare il trascorrere del tempo.
Tra i lavori presentati figura If I die, leave the balcony open, realizzato tra il 2021 e il 2025 e ispirato alla poesia di Federico García Lorca.
Il dialogo con l’opera di Emilio Vedova, Chi brucia un libro brucia un uomo, del 1993, introduce una riflessione sul rapporto tra libertà culturale, violenza e memoria.
L’arte si confronta così con le fratture della storia europea, senza rinunciare alla propria autonomia espressiva.
Una trilogia per comprendere l’identità europea
L’esposizione è curata da Gabriella Belli e Valerio Terraroli e costituisce il primo capitolo del progetto triennale Ispirazione Europa. Dialoghi d’arte tra il XIX e il XX secolo.
L’iniziativa proseguirà nel 2027 con un approfondimento dedicato alle relazioni artistiche tra Italia e Francia e nel 2028 con un confronto tra Italia e Spagna.
Il progetto coinvolge importanti istituzioni culturali e museali, tra cui il Mart di Trento e Rovereto, le Gallerie degli Uffizi, i Musei Vaticani e numerose collezioni internazionali.
La scelta di iniziare dal rapporto tra Italia e Germania coincide con il settantacinquesimo anniversario della ripresa delle relazioni diplomatiche tra i due Paesi.
L’esposizione è accompagnata anche da un programma di oltre 200 iniziative culturali che coinvolgono Vicenza e il territorio circostante.
Un appuntamento per il pubblico e gli studiosi
La mostra sarà visitabile dal 14 novembre 2026 al 2 maggio 2027 presso la Basilica Palladiana, in Piazza dei Signori a Vicenza.
L’apertura ordinaria è prevista dal martedì alla domenica, dalle 10 alle 18, con alcune aperture straordinarie durante le festività.
Il catalogo scientifico, pubblicato da Marsilio Arte, accompagna il percorso con contributi di studiosi e specialisti.
Da Canova a Kiefer, il confronto tra Italia e Germania restituisce l’immagine di una storia dell’arte costruita attraverso relazioni, contaminazioni e continui cambiamenti.
La mostra propone così una prospettiva che supera le appartenenze nazionali per indagare un patrimonio culturale condiviso.
Ed è proprio nella complessità di questi scambi, più che nella semplice successione dei movimenti artistici, che emerge uno degli aspetti fondamentali della storia dell’arte europea.