Da Massimo Granelli Nel giorno dell’anniversario della scomparsa del grande regista italiano, un film documentario diretto da Gianluigi Attorre restituisce al pubblico ricordi, testimonianze e materiali d’archivio. Presentato alla Festa del Cinema di Roma, arriverà nelle sale nel 2027, offrendo una nuova prospettiva sugli ultimi anni di uno dei più grandi protagonisti della cinematografia mondiale.
Trentatré anni dopo la sua morte, Federico Fellini torna a raccontarsi attraverso la propria voce. Il 31 ottobre 2026, anniversario della scomparsa del regista riminese, avvenuta a Roma nel 1993, viene diffuso un estratto inedito di «Ultimo Fellini», il documentario scritto e diretto da Gianluigi Attorre che ricostruisce gli ultimi anni del Maestro, intrecciando testimonianze, ricordi personali e materiali d’archivio.
L’opera, prodotta da Atomic e coprodotta da Rai Cinema e TNM Produzioni, è stata presentata alla ventunesima edizione della Festa del Cinema di Roma, nella sezione Special Screening, e arriverà nelle sale cinematografiche nel 2027.
Il progetto riporta l’attenzione su una figura che ha trasformato radicalmente il linguaggio cinematografico, superando i confini della narrazione tradizionale per costruire un universo espressivo nel quale memoria, sogno, desiderio e realtà convivono senza separazioni definitive.
L’interesse del documentario risiede soprattutto nella possibilità di ascoltare Fellini mentre ripercorre la propria formazione artistica. Un racconto che restituisce l’immagine di un uomo approdato al cinema attraverso esperienze differenti, quasi seguendo una vocazione che avrebbe riconosciuto pienamente soltanto nel corso del tempo.
«Ultimo Fellini»: il documentario che restituisce la voce del grande regista
Il materiale diffuso in occasione dell’anniversario contiene una testimonianza particolarmente significativa: Fellini ricorda di non aver inizialmente immaginato per sé un futuro da regista.
Prima del cinema erano arrivati il disegno umoristico, il giornalismo, la scrittura radiofonica e la collaborazione con il mondo dello spettacolo. Esperienze apparentemente distanti dalla macchina da presa, ma decisive nella costruzione di quella sensibilità narrativa che avrebbe caratterizzato l’intera sua produzione.
La formazione di Fellini rappresenta infatti uno degli aspetti più interessanti della sua vicenda artistica. Il suo cinema nasce dall’incontro tra linguaggi differenti, dall’osservazione delle persone e dalla capacità di trasformare gesti, volti e situazioni quotidiane in immagini di straordinaria forza evocativa.
Nel documentario di Attorre, il racconto autobiografico diventa uno strumento per comprendere il rapporto tra l’artista e la propria opera.
La voce originale del regista assume un valore particolare. Permette di avvicinarsi al suo pensiero senza il filtro esclusivo delle interpretazioni successive, recuperando il modo in cui egli stesso guardava al proprio percorso.
Accanto ai materiali d’archivio trovano spazio i ricordi di personalità che hanno conosciuto Fellini o che hanno condiviso con lui esperienze artistiche e professionali.
Tra i protagonisti figurano Roberto Benigni, Martin Scorsese, Nicola Piovani, Milo Manara e Fiammetta Profili.
Presenze differenti per formazione e linguaggio, accomunate dal rapporto con un autore la cui influenza continua a essere riconoscibile nella cultura cinematografica contemporanea.
Dagli esordi nel giornalismo alla nascita di un linguaggio cinematografico
Federico Fellini nasce a Rimini il 20 gennaio 1920. La città romagnola, con le sue atmosfere provinciali, i personaggi popolari e i ricordi dell’infanzia, diventerà uno dei territori fondamentali della sua immaginazione.
Alla fine degli anni Trenta si trasferisce a Roma, dove comincia a frequentare gli ambienti del giornalismo, della satira e dello spettacolo.
Collabora con riviste umoristiche, realizza disegni e caricature, scrive testi radiofonici e si avvicina progressivamente alla sceneggiatura cinematografica.
Questa fase iniziale rivela una caratteristica destinata ad accompagnarlo per tutta la carriera: la capacità di osservare l’essere umano attraverso una sensibilità insieme ironica, malinconica e profondamente visiva.
Fellini possiede un talento particolare nel riconoscere l’eccezionalità nascosta nelle persone comuni. I suoi personaggi possono apparire eccentrici, grotteschi o persino caricaturali, ma conservano una dimensione umana che impedisce loro di ridursi a semplici figure decorative.
L’esordio alla regia arriva nel 1950 con «Luci del varietà», realizzato insieme ad Alberto Lattuada.
Seguono «Lo sceicco bianco» e «I vitelloni», opere nelle quali comincia a delinearsi una poetica autonoma, capace di dialogare con il realismo italiano e contemporaneamente di allontanarsene.
Con «La strada», del 1954, il suo cinema raggiunge una dimensione internazionale.
La vicenda di Gelsomina e Zampanò, interpretati da Giulietta Masina e Anthony Quinn, diventa una riflessione sulla fragilità, sulla violenza e sulla difficoltà di riconoscere il valore dell’altro.
Il film conquista il Premio Oscar per il miglior film straniero e contribuisce alla definitiva affermazione internazionale del regista.
Anche «Le notti di Cabiria», del 1957, ottiene il riconoscimento dell’Academy, confermando la straordinaria capacità di Fellini di raccontare la vulnerabilità umana senza rinunciare alla complessità dei sentimenti.
«La dolce vita» e «8½»: quando il cinema diventa un nuovo modo di guardare la realtà
Il 1960 rappresenta uno dei momenti decisivi della carriera di Federico Fellini.
Con «La dolce vita», il regista realizza un’opera destinata a modificare profondamente l’immaginario collettivo.
Attraverso il personaggio di Marcello Rubini, interpretato da Marcello Mastroianni, racconta una Roma attraversata dalle contraddizioni del benessere economico, dalla ricerca della notorietà e da una crescente inquietudine esistenziale.
Il film, premiato con la Palma d’oro al Festival di Cannes, restituisce un ritratto complesso dell’Italia che sta cambiando.
Le immagini diventano parte integrante della memoria culturale del Novecento.
La celebre sequenza di Anita Ekberg nella Fontana di Trevi supera i confini della narrazione cinematografica e si trasforma in un’icona internazionale.
Ma dietro la superficie mondana e spettacolare dell’opera emerge una riflessione molto più profonda: quella sull’incapacità dell’uomo contemporaneo di trovare un equilibrio tra desiderio, successo e autenticità.
Tre anni dopo arriva «8½», considerato uno dei vertici della cinematografia mondiale.
Il protagonista, Guido Anselmi, è un regista attraversato da una crisi creativa e personale. I suoi ricordi, le fantasie, le relazioni sentimentali e le inquietudini professionali si sovrappongono fino a rendere indistinguibile il confine tra esperienza vissuta e immaginazione.
Fellini trasforma così il cinema in uno spazio di riflessione sul processo stesso della creazione artistica.
La narrazione abbandona progressivamente le strutture convenzionali per seguire i movimenti della memoria e dell’inconscio.
L’opera eserciterà un’influenza duratura su generazioni di registi, contribuendo a ridefinire le possibilità espressive del linguaggio cinematografico.
Il rapporto tra Fellini e le arti visive: il cinema come pittura in movimento
Una delle caratteristiche più riconoscibili dell’opera felliniana è la straordinaria attenzione alla composizione dell’immagine.
Il regista costruisce le proprie sequenze attraverso una sensibilità che presenta numerosi punti di contatto con la pittura, il disegno e la rappresentazione teatrale.
Le figure umane, gli ambienti, i costumi e le scenografie partecipano alla costruzione del significato narrativo.
Ogni elemento visivo contribuisce a definire un universo riconoscibile, nel quale la deformazione espressiva non rappresenta necessariamente un allontanamento dalla realtà, ma uno strumento per interpretarla.
Questa dimensione diventa particolarmente evidente in opere come «Giulietta degli spiriti», «Fellini Satyricon», «Roma» e «Amarcord».
Il colore, la luce e la disposizione dei personaggi nello spazio assumono un valore autonomo.
In «Giulietta degli spiriti», del 1965, primo lungometraggio a colori diretto da Fellini, la dimensione cromatica diventa essenziale per rappresentare l’universo psicologico della protagonista.
In «Fellini Satyricon», del 1969, l’antichità romana viene reinventata attraverso immagini enigmatiche, corpi, architetture e atmosfere che rinunciano a una ricostruzione storica convenzionale.
Con «Amarcord», del 1973, il regista ritorna idealmente alla propria terra d’origine.
La Rimini dell’infanzia viene ricostruita attraverso il filtro della memoria, assumendo i contorni di un luogo insieme reale e immaginario.
Il film conquista un ulteriore Premio Oscar per il miglior film straniero.
Dal punto di vista della critica d’arte, l’opera di Fellini offre un esempio particolarmente significativo della relazione tra immagine cinematografica e rappresentazione pittorica.
La sua formazione nel disegno contribuisce a spiegare la centralità attribuita alla figura, al gesto e alla composizione.
I personaggi sembrano talvolta appartenere a grandi quadri corali, nei quali ogni volto possiede una propria identità espressiva.
Il cinema diventa così una forma di pittura in movimento, capace di incorporare il tempo, il suono e la dimensione psicologica dell’esperienza.
Gli ultimi anni di Fellini e le difficoltà del cinema italiano
Uno degli aspetti affrontati da «Ultimo Fellini» riguarda il rapporto tra il regista e l’industria cinematografica durante gli anni Ottanta.
Nel documentario interviene Vincenzo Mollica, storico giornalista e conoscitore del mondo dello spettacolo, che ricorda le difficoltà incontrate dal cinema italiano nel sostenere progetti di grande ambizione artistica.
È un passaggio significativo perché consente di osservare la condizione di Fellini da una prospettiva diversa rispetto a quella abitualmente associata ai grandi riconoscimenti internazionali.
Il prestigio culturale e la notorietà mondiale non garantivano automaticamente la realizzazione delle sue opere.
Nel corso degli anni Ottanta il sistema cinematografico italiano attraversa trasformazioni profonde, legate ai cambiamenti del pubblico, alla crescente centralità della televisione e alle difficoltà produttive di una parte del cinema d’autore.
Fellini continua tuttavia a sviluppare il proprio linguaggio.
Con «Ginger e Fred», del 1986, affronta il rapporto tra spettacolo televisivo, memoria e trasformazione dell’intrattenimento.
La vicenda dei due anziani artisti interpretati da Giulietta Masina e Marcello Mastroianni diventa un’occasione per osservare criticamente un universo mediatico nel quale l’esibizione tende a prevalere sull’esperienza umana.
«Intervista», del 1987, rappresenta invece una riflessione sul cinema, sulla memoria professionale e sul rapporto tra realtà e rappresentazione.
Il regista ritorna idealmente negli studi di Cinecittà, luogo fondamentale della propria carriera, costruendo un’opera nella quale passato e presente si incontrano.
Nel 1990 realizza «La voce della luna», il suo ultimo film.
Interpretato da Roberto Benigni e Paolo Villaggio, il lungometraggio affronta il tema dell’ascolto e della difficoltà di riconoscere una dimensione autentica dell’esistenza in una società dominata dal rumore e dalla comunicazione incessante.
Riletto oggi, il film appare particolarmente significativo per la sensibilità con cui osserva il rapporto tra individuo e ambiente mediatico.
L’ultima stagione artistica di Fellini conserva dunque una notevole coerenza con le questioni che avevano attraversato la sua produzione precedente.
Cambiano le forme espressive e i contesti sociali, ma rimane centrale l’attenzione verso la fragilità dell’uomo e le contraddizioni della modernità.
Giulietta Masina, una presenza fondamentale nella vita e nell’arte del Maestro
Nel percorso umano e professionale di Federico Fellini occupa un posto centrale Giulietta Masina.
I due si sposano nel 1943 e condividono un legame personale e artistico destinato a durare mezzo secolo.
Attrice di straordinaria sensibilità, Masina contribuisce in maniera determinante alla costruzione di alcuni dei personaggi più memorabili del cinema italiano.
La sua interpretazione di Gelsomina ne «La strada» rimane uno degli esempi più intensi della capacità cinematografica di rappresentare l’innocenza e la sofferenza.
Con «Le notti di Cabiria» offre invece il ritratto di una donna che, pur attraversando esperienze dolorose, conserva una sorprendente capacità di sperare.
La collaborazione con Fellini prosegue negli anni successivi, trovando nuove forme espressive in «Giulietta degli spiriti» e «Ginger e Fred».
Il loro rapporto rappresenta un elemento importante per comprendere la dimensione umana della produzione felliniana.
Masina non fu semplicemente un’interprete ricorrente, ma una presenza artistica capace di dare forma concreta ad alcune delle intuizioni più profonde del regista.
Attraverso i suoi personaggi, Fellini riuscì spesso a rappresentare sentimenti complessi senza ricorrere a spiegazioni esplicite.
Uno sguardo, un movimento o un’espressione del volto diventavano sufficienti a comunicare la condizione interiore di una figura cinematografica.
Cinque Premi Oscar e un’eredità che attraversa generazioni
La carriera di Federico Fellini è accompagnata da riconoscimenti che testimoniano la portata internazionale della sua opera.
Quattro suoi film conquistano l’Oscar per il miglior film straniero: «La strada», «Le notti di Cabiria», «8½» e «Amarcord».
Nel 1993 l’Academy gli conferisce inoltre il Premio Oscar alla carriera, riconoscendo il contributo straordinario offerto alla storia del cinema.
Il riconoscimento arriva pochi mesi prima della morte.
Fellini si spegne a Roma il 31 ottobre 1993, all’età di 73 anni.
La sua scomparsa conclude una vicenda artistica che aveva attraversato oltre quarant’anni di trasformazioni culturali e cinematografiche.
L’influenza del regista, tuttavia, continua a manifestarsi ben oltre la sua generazione.
La presenza di Martin Scorsese tra le testimonianze raccolte nel documentario di Attorre richiama proprio la dimensione internazionale di questa eredità.
Fellini ha contribuito ad ampliare le possibilità narrative del cinema, dimostrando che il linguaggio cinematografico può rappresentare la realtà interiore con la stessa forza con cui racconta gli avvenimenti esteriori.
La sua opera ha inoltre favorito un dialogo tra discipline artistiche differenti.
Pittura, letteratura, teatro, musica e cinema convivono nelle sue immagini, dando origine a un universo espressivo difficilmente riconducibile a una sola tradizione.
Un ruolo importante appartiene anche alla musica.
Le collaborazioni con Nino Rota hanno contribuito a costruire l’identità emotiva di numerosi film, attraverso composizioni capaci di accompagnare le immagini senza limitarne il significato.
Le melodie di Rota sono diventate parte integrante dell’immaginario felliniano, conservando una riconoscibilità che supera il contesto delle singole opere.
La memoria di Federico Fellini tra documentazione storica e interpretazione artistica
Il nuovo documentario arriva in un momento nel quale il rapporto tra memoria culturale e patrimonio audiovisivo assume un’importanza crescente.
Le immagini d’archivio, le registrazioni sonore e le testimonianze dirette costituiscono strumenti fondamentali per ricostruire il percorso degli artisti che hanno contribuito alla formazione della cultura contemporanea.
Nel caso di Fellini, questi materiali possiedono un valore particolare.
La sua figura pubblica è stata progressivamente accompagnata da un immaginario talmente potente da rendere talvolta difficile distinguere l’uomo dall’artista.
L’aggettivo «felliniano», entrato stabilmente nel linguaggio comune, testimonia la capacità del regista di creare una visione immediatamente riconoscibile.
Indica atmosfere sospese tra realtà e fantasia, personaggi eccentrici, situazioni grottesche e immagini nelle quali l’ordinario assume caratteristiche straordinarie.
La diffusione di questo termine rappresenta un fenomeno culturale significativo: pochi autori hanno inciso sull’immaginario collettivo al punto da trasformare il proprio cognome in una categoria espressiva.
Proprio per questo, il recupero della voce originale di Fellini offre l’occasione di tornare alle origini del suo percorso.
Ascoltare il regista parlare della propria formazione permette di riconoscere quanto il suo linguaggio sia nato dall’incontro tra esperienze concrete, curiosità intellettuale e capacità di osservazione.
La dimensione autobiografica, centrale in numerose sue opere, trova così un ulteriore elemento di approfondimento.
«Ultimo Fellini» al cinema nel 2027: il valore di una testimonianza
L’uscita nelle sale di «Ultimo Fellini», prevista per il 2027, consentirà al pubblico di confrontarsi con un racconto dedicato alla fase conclusiva della vita e dell’attività artistica del regista.
La scelta di diffondere un estratto proprio il 31 ottobre 2026 attribuisce all’iniziativa un significato commemorativo preciso.
A trentatré anni dalla scomparsa, Fellini continua a occupare una posizione centrale nella storia della cultura italiana e internazionale.
Il documentario di Gianluigi Attorre si inserisce nel lavoro di conservazione e valorizzazione della memoria cinematografica, attraverso il recupero di materiali e testimonianze capaci di arricchire la conoscenza di un autore già ampiamente studiato.
L’interesse maggiore riguarda la possibilità di osservare la distanza tra l’immagine pubblica del Maestro e la sua esperienza personale.
Dietro i grandi riconoscimenti, i film entrati nella storia e le immagini divenute simboli del Novecento emerge il percorso di un giovane disegnatore e autore umoristico che non aveva inizialmente previsto di diventare regista.
È forse proprio questa origine a offrire una chiave di lettura particolarmente efficace della sua opera.
Fellini ha conservato per tutta la vita lo sguardo di chi osserva il mondo con curiosità, cercando nei dettagli apparentemente marginali le tracce di una verità umana più profonda.
Il cinema gli ha permesso di trasformare quella disposizione in un linguaggio universale.
Nel trentatreesimo anniversario della sua morte, il ritorno della sua voce attraverso «Ultimo Fellini» restituisce alla memoria collettiva qualcosa che va oltre la celebrazione di un grande autore: la testimonianza diretta di un artista che ha insegnato al cinema a rappresentare anche ciò che appartiene ai sogni, ai ricordi e alle contraddizioni dell’esistenza.
Un patrimonio culturale che continua a parlare alle nuove generazioni e che, attraverso il documentario atteso nel 2027, potrà essere osservato da una prospettiva ulteriore, più vicina all’uomo che ha dato origine al mito.
Vittoria De Santis
Scarlett Hayes